Cet air infini

Enfin une écriture qui ne se laisse pas réduire à elle-même ! Les mots de Lluïsa Cunillé ouvrent toujours sur un ailleurs - une absence, une question, une fiction… ou tranchent par un retour au réel - pas plus saisissable d’ailleurs tant il est plat. 

« ELLE - Tu ne m’as toujours pas dit ce que tu as fait aujourd’hui. 

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LUI - J’ai travaillé. Comme tous les jours. » 

Tout semble clair dans ce qui est dit, l’écriture a l’air le plus souvent ordinaire. Et pourtant le passage d’une phrase à l’autre, d’une réplique à une autre ouvrent un champ inattendu, un déplacement, un vertige. 

Comment dire ces mots-là ? Sans doute en les laissant exister. Recourir à une certaine neutralité, certes, afin de laisser résonner ce qu’ils portent jusqu’au spectateur. J’imagine le travail à faire sur ce texte comme une longue écoute, un minutieux calibrage afin de transmettre le mystère de ce qui est raconté. 

Car (comme toujours au théâtre) cette pièce pose une question au spectateur, de par la (non-)rencontre de ses deux personnages. LUI porte « la vie », les efforts (jamais suffisants) pour s’adapter à un monde en (dé-)construction. ELLE porte « la mort », l’acceptation qu’elle ne peut pas se soumettre à un univers qu’elle ne reconnait pas. Nous sommes pris dans une souricière qui questionne notre incessante (non-)acceptation du monde social.

Et plus encore, que ces deux êtres soient, de gré ou de force, exilés de « l’acceptable social » résonne, pour nous lecteurs/spectateurs, avec la sensation récurrente, dans cette écriture, que nous sommes exilés du réel. 

« (…) en refusant de nous dire comment est la réalité, (Cunillé) vise à nous faire douter de cette dernière. « On ne devrait jamais dire une chaise mais une peut-être chaise » disait souvent Régy, reprenant cette phrase de Wittgenstein : le théâtre de Cunillé, consiste à mettre en scène ce « peut-être », et invite ainsi le spectateur à penser que la réalité se loge dans ce peut-être. » (Laurent Gallardo) 

C’est pourquoi également il nous semble préférable (pour l’instant) de ne pas indiquer au spectateur ce que le lecteur découvre dès la présentation des personnages : le lien de chacun avec des figures mythologiques. Que LUI soit un palimpseste d’Ulysse, et ELLE d’Electre, Phèdre, Médée et Antigone, peut-être vaut-il mieux laisser le spectateur faire (ou non) le lien. Jouer sur un déjà-vu ?

Migration, exil, impossible retour… Ces termes s’appliquent aux personnages, à leur identité, leur histoire, à la ville, au réel… C’est ce qui nous touche profondément dans cette écriture. 

Concernant la scénographie, il s’agit d’un théâtre qui revendique sa « pauvreté » - une table, une chaise… - et sa précision - des didascalies concernant les lumières ponctuent le dialogue afin d’indiquer (ce) qui apparait ou disparait dans l’obscurité. 

La DURÉE des « pauses » (qui rythment la pièce) est essentielle. Ces pauses permettent de passer à un autre moment, une autre identité, peut-être une autre hypothèse de vie. Elles (dé-)lient les séquences. 

Peut-être y aura-t-il un élément de décor inutile, intriguant, créant un rapport magnétique entre les corps…